30 de enero de 2017

CHARLA CON LAURENT HART (ONCE HUMAN), SOBRE EL NEGOCIO DE LA MÚSICA


Nuevo lanzamiento y nueva manera de hacer las cosas. En este punto ¿ha sido más sencillo grabar este disco que el anterior?

No, este disco ha sido mucho más complejo de grabar. Si te digo la verdad, ni Logan ni yo empleamos demasiado tiempo en gestionar el primer disco. Fue un problema poner todo en orden y el tema de las letras lo tuve que resolver en cuestión de días. En esta ocasión, estuvimos mucho más centrados en componer la música que en que las letras no quedasen apartadas o en suspenso. Quizá porque no le di demasiadas vueltas en aquel momento, este disco ha quedado mejor, suenan mejor. He trabajado mucho las letras, mi voz y las melodías, por esa razón, siento que todo el proceso ha sido una mejora masiva para mí, porque he podido enfocarme más en lo que necesito hacer. Me he asegurado de que mi aportación general sea mucho mejor. En cuanto a la voz, no me gustó nada como sonaba en el disco anterior, a pesar de que a la gente si le gustaba. Lo que menos me gustó fue el tono, no me gustan mis tonos altos y he trabajado para mejorarlos. He practicado mucho para aprender a pulir esos tonos y también para encontrar otros matices en los limpios. En el primer trabajo mi voz era bastante más estándar, por decirlo de alguna forma. Me he dado cuenta de que los tonos bajos son mejores para mi voz y que no tengo que intentar sobresalir por encima de los instrumentos. Ahora las letras cobran más sentido y creo que si eres honesta y te crees lo que estás gritando, todo va a sonar mucho mejor y el oyente captará el mensaje de lo que tratas de decir, además de que será más fácil que consiga sentirlo.

Ha pasado muy poco tiempo entre vuestro primer trabajo y este. A parte de la explicación anterior, ¿Qué crees que lo hace diferente e interesante?

La razón por la cual hemos podido grabar este álbum tan rápidamente, es porque la gira fue corta. El disco anterior no tuvo gran repercusión y sólo hicimos dos tours; uno en Usa y otro en Europa. Eso fue todo. Las ventas no fueron muy bien y tuvimos mucho tiempo para volver a escribir, una vez regresamos de Europa. Otra razón de empezar a escribir tan pronto fue nuestro encuentro con Max en la gira con Fear Factory. Nos mostró algunos de sus riffs en el autobús y nos inspiró e impresionó tanto, que automáticamente quisimos colaborar con él una vez todos estuviéramos de regreso y tan pronto se hizo miembro de la banda, todo fue seguido. Por otra parte, también he mejorado mucho las letras de las canciones y en ellas tengo mucho que decir, algo que no pasaba en el primer disco, ya que no fueron historias honestas, ni contaban nada interesante.
 
¿Eres tan peligrosa en tu vida real como pareces sobre un escenario?

Soy bastante tonta en la vida real. No se si habrás ido viendo videos por internet sobre esto, pero para mi es importante hacerle ver a la gente que soy idiota y que para mi es algo divertido. Una vez más, este disco ha servido para organizar un poco mi vida interior y adentrarme en cosas que no había hecho nunca antes. Soy una mujer que ha crecido escuchando Metal. Son mis raíces y lo amo desde niña. Muchas cosas me han alejado de mis auténticas raíces, pero cuando he regresado a ellas, noto que vuelvo a estar en sintonía con mi alma. Estoy muy contenta y creo que van a venir muchas cosas buenas.

Con tantas bandas y tantos lanzamientos sin control en internet,  ¿Cómo hace una banda como Once Human para atraer la atención?

Es cierto que hay un montón de bandas y lanzamientos buenos ahí fuera y que Logan me dice que las cosas ya no son lo mismo desde que la competición se ha vuelto tan agresiva, pero siento que la música habla por si misma y si a los chicos les gusta, se harán fans y nos prescribirán. Con el último disco, tuvimos 46.000 reproducciones en Youtube del tema “The Life I Remember” y en dos o tres meses, hemos tenido como 2 millones de reproducciones con “Eye Of Chaos”,.asi que ese tipo de cosas hablan por si mismas.

Dada la actual situación del negocio, ¿estáis aprendiendo de alguna forma a gestionar asuntos relacionados con él, que no habíais tenido en cuenta nunca antes?

Si, las redes sociales es algo bastante nuevo para mi y estoy aprendiendo como se usan, ya que es algo realmente importante. Me he peleado mucho con ello porque en realidad no me gustan, pero estoy aprendiendo mucho sobre este campo y también sobre como usar internet y como venderte online. Todos nosotros necesitamos interactuar con nuestros fans y aprender las herramientas que tengamos a mano para ello. Los medios de comunicación ya no tienen el control y tampoco están dando demasiadas oportunidades a artistas noveles o propuestas novedosas. Como he comentado antes, la gente navega por internet y cuando ve algo que le gusta, lo comparte. Esto es bueno y malo. Definitivamente, exige ser altamente competitivo, pero los tiempos cambian y hay que adaptarse…   

La venta de CD´s es algo anecdótico en comparación con lo que solía ser ¿Cómo cubrís de forma individual y colectiva la parte de dinero que ganabais con la venta de este formato?

Una vez más, Logan habla mucho sobre esto, porque él recuerda el tiempo donde la venta de CD´s lo era todo y no tenías que estar pendiente de tus redes sociales. Pienso que en general, aquellos tiempos eran mejores para la industria. En la actualidad, confiamos profundamente en la venta de discos, el merchandising y las rotaciones de Youtube. El mechandising y las giras son, probablemente, lo que más importa hoy en día, ya que representa una potente fuente de ingresos.
Imagino que si el merchandising es tan importante, también lo será vuestra creatividad a la hora de diseñarlo ¿Me equivoco?

En absoluto. El merchandising debe ser muy creativo y eso es algo a lo que también le ponemos tiempo y esfuerzo. Otra de las cosas que hago para sacar dinero al margen de la banda, es escribir para otras bandas. Hago letras y melodías para música que ya está escrita. Esto es algo que disfruto y que me ayuda a hacer que crezca mi propio nombre y me estabilice en la industria.

La música es algo que existirá mientras exista la humanidad.

Desde luego. La música es algo universal y no hay vida sin música, eso si, no se si siempre será un negocio. Noto que un montón de trabajos creativos como actuar, componer, grabar, etc, se están convirtiendo en algo cada vez menos valioso y se está transformando en algo que se puede conseguir gratuitamente a través de internet. Ese es el punto donde dudo hasta que punto llegará, sobre todo porque todavía hay gente que piensa hacer música, aún cuando esto no le represente unos ingresos económicos. La gente hace música porque la ama y les divierte, pero como digo, no se por cuánto tiempo más será una fuente de ingresos.

“Evolution” se publicará en formato vinilo ¿Qué tipo de mercado buscáis?
Si te digo la verdad, ni sabía que va a publicarse en vinilo. Yo no soy coleccionista, pero mi hermano sí, entonces puedo entender que el formato es muy valioso para este tipo de fans. El vinilo suena diferente y evoca siempre nostalgia y buenos momentos. Va a ser genial escuchar este disco en vinilo.

26 de enero de 2017

ARJEN LUCASSSEN SE RODEA DE GRANDES ARTISTAS PARA EL NUEVO DISCO DE AYREON


Regresa Ayreon, el proyecto internacionalmente aclamado dentro del mundo del rock progresivo, capitaneado por el cantante, compositor, productor y multi instrumentista, Arjen Lucassen.

Este trabajo se ha mimado hasta el punto de contar con los mejores músicos de rock del momento, como los cantantes James LaBrie (Dream Theater), Tommy Rogers (Between The Buried And Me), Simone Simons (Epica), Michael Mills (Toehider), Floor Jansen (Nightwish), Hansi Kürsch (Blind Guardian), Tommy Karevik (Kamelot), Tobias Sammet (Avantasia), Michael Eriksen (Circus Maximus), and Russell Allen (Symphony X) y los instrumentistas Paul Gilbert (Mr. Big), Guthrie Govan (Asia), Mark Kelly (Marillion), Ed Warby (Hail of Bullets, Gorefest), and Joost van den Broek (After Forever, The Gentle Storm).

Este álbum, de corte conceptual, constará de 4 crónicas; The Fame, The Aligning Of The Ten, The Transmigration y The Rebirth, hasta un total de 17 canciones.

Saldrá en distintos formatos; Earbook (4CD+DVD), Digibook (2CD+DVD), 2 LP´s+mp3 y digital. y verá la luz oficialmente el 28 de Abril.

El disco se presentará a través de tres exclusivos shows, cuyas entradas (9.000 tickets) se vendieron en apenas unas horas, convirtiéndose en un hito histórico en la carrera de Lucassen, el cual apenas se prodiga en directo, debido a su reconocido miedo escénico.

HAGAR, SATRIANI, ANTHONY, SMITH... ¡VUELVE CHICKENFOOT!


Grandes noticias para los fans de la super banda Chickenfoot, la cual regresa, estrenando su primera canción original después de cinco años. Llevará por título "Divine Termination" y estará incluida en "Best + Live", el primer grandes éxitos de este interesante proyecto, el cual saldrá a la venta el próximo 10 de Mayo a través del sello earMUSIC

Este proyecto sigue aunando el talento del veterano Sammy Hagar, el dios de la guitarra Joe Satriani, el bajista Michael Anthony (Van Halen) y el batería Chad Smith (Red Hot Chili Peppers).

Además de "Divine Termination", BEST + LIVE incluye más de 90 minutos de música en vivo por primera vez publicada en formato CD. Sammy Hagar dice: "Escuchar esta colección de canciones me trae recuerdos de algunos de los momentos más divertidos que he tenido en una banda. La química entre Chad, Joe, Mike y yo es muy especial. Es casi como música visual; puedes vernos divirtiéndote cuando escuchas estas canciones".

En mayo de 2016, Chickenfoot se reunió para dos exitosas presentaciones en Harrah's Lake Tahoe, y tocó su primer set completo en más de seis años. En estas presentaciones, estrenaron la nueva canción
 "Divine Termination". Joe Satriani describe la composición como "un hueso crujiente, el infierno que levanta el Rock gracias al ambiente y la actitud, justo como nos gusta a Chickenfoot".

Tanto el CD extra "Live" como las canciones adicionales de una lista de 13 en total, contienen todas las composiciones del trabajo debut de la banda, así como antiguos clásicos de Sammy Hagar; "Bad Motor Scooter", The Who's "My Generation" Y la interpretación de Joe Satriani de "The Star Spangled Banner" - todos grabados en vivo en Phoenix 2009 y disponibles por primera vez en CD (anteriormente sólo disponible como vídeo en el DVD / Blu-ray "Get Your Buzz On LIVE").

El 10 de marzo de 2017 también se verá materializado el lanzamiento single de vinilo 7" del tema "Divine Termination ", todo un artículo de coleccionista.

25 de enero de 2017

QUINN SULLIVAN, EL EXPERTO GUITARRISTA DE 17 AÑOS, ESTRENA TEMA EN YOUTUBE


El jovencísimo guitarrista Quinn Sullivan, adelanta a través de YouTube, una de las canciones que estarán incluidas en su próximo trabajo debut "Midnight Highway". Se trata de "She Gets Me"

Quinn ha conseguido acaparar el interés de los principales medios de EE.UU., en los cuales el artista está teniendo una presencia sorprendente.

A nadie se le escapa a estas alturas, que el sello Mascot está a la búsqueda y captura de grandes guitarristas de blues del planeta. Los buenos resultados de ventas y el acierto con los artistas de su rooster, hace que artistas increíbles como Quinn, tengan una oportunidad de éxito masivo, como ya sucediera con otros artistas por los que el sello apostó en su momento, véase el caso de Joe Bonamassa, por ejemplo.

24 de enero de 2017

EN ESPAÑA TAMBIEN TENDREMOS LA OPORTUNIDAD DE VER A LOS INFLUYENTES HELMET


Helmet, la popular banda de Metal Alternativo nacida en New York y capitaneada por Page Hamilton, pasará por España en tres fechas correspondientes a la gira de presentación de su último disco que lleva por título "Dead To The World Tour 2017" y que les ubicará en todos los escenarios de circuito Europeos, para después, continuar dando conciertos en Australia.

Esta banda ha sido reconocida como una gran influencia contemporánea para multitud de artistas y bandas reconocidas gracias a los recursos utilizados en sus canciones y a la publicación, a primeros de los noventa, de su trabajo "Meantime", el cual vendió más de dos millones de copias y consiguió ser Disco de Oro.

¿ALGUIEN SE ACUERDA DE LA NWOBHM? CHROME MOLLY TE LO RECUERDA


Los británicos Chrome Molly, regresan al ruedo del rock con un nuevo disco llamado "Hoodoo Voodoo", con el que tocarán la fibra sensible de todos aquellos nostálgicos atraídos por los sonidos de aquel movimiento llamado NWOBHM (La nueva ola del Heavy Metal Británico), el cual se forjó a primeros de los años ochenta.

Tras formarse en el año 1982, estuvieron en activo hasta el año 1991, fechan en la que se separaron para seguir girando bajo el nombre de Von Halen (tributo a Van Halen). En el año 2009, la banda se volvió a juntar y al poco tiempo, anunciaron el lanzamiento de "Gun Powder Diplomacy".

Gracias al impacto mediático de ese álbum, la banda vuelve a grabar un nuevo disco en Agosto del 2015, con la ayuda de Toby Jepson (Little Angels, Fastway, Gun y productor). Tras unos cambios necesarios en el seno del grupo, earMUSIC se prepara para publicar este "Hoodoo Voodoo" del cual podéis hacer una preescucha en el siguiente link de YouTube

16 de enero de 2017

JOE BONAMASSA NOS CUENTA COMO VE LA INDUSTRIA DISCOGRÁFICA ACTUAL


Tu discográfica lo está llevando bien. Es decir, para un artista independiente es increíble todo lo que has conseguido a lo largo de los diez últimos años.

Hemos tenido mucha suerte. En un inesperado giro del destino, de alguna manera hemos conseguido aumentar nuestras unidades más y más, en un país en el que las ventas de discos han caído en picado y las tiendas de discos cierran. No vendemos muchas unidades si nos comparamos con Adele o Beyoncé o artistas de primera clase. No movemos muchas unidades, pero sí que movemos cada vez más. Y está comprobado que mis fans, que han sido tan generosos conmigo a través de los años, prefieren comprar el álbum que conseguirlo gratis. Y trabajamos muy duro, y Mascot trabaja muy duro en Europa con la presentación. Los vinilos se ven genial, las carcasas, los libretos, las cajas especiales que Ed hace para nuestros álbumes son fantásticas. Todo esto añade valor extra que sirve para animar a los fans a salir de casa y comprar el disco, ya que sí que saben lo que significa para nosotros. No es que queramos llevarnos maletines llenos de dinero, cada euro o cara dólar, sino que lo reinvertimos en el producto.

A los servicios de streaming, como Tidal de Jay Z, no les está yendo tan bien después de todo. ¿Eso significa que la gente, si está dispuesta a gastar, quiere algo especial? ¿Es eso lo que te diferencia?

Creo que lo que está pasando es que la gente ve una grieta en la industria que se asemeja a un falso Robin Hood. Es fácil para Jay Z, que ya ha ganado dinero suficiente, que le da para toda su vida, decir de repente: “Bueno, hay que centrarse en las personas.” Bueno, pensemos en eso durante un momento: no todo el mundo puede posicionarse así y ¿qué le dice eso a un artista en potencia? ¡Que no hay oportunidades! No van a poder tener éxito, con estos peces gordos que tienen líneas de ropa y empresas de vodka entre otras inversiones, y que tienen básicamente un libro de cheques en blanco de alguna corporación AmEx o alguna línea de crédito con la que pueden permitirse perder cincuenta millones de dólares en un proyecto. ¿Cómo ven eso los chicos que están en una furgoneta Mercedes Sprinter viajando por Alemania como hice yo hace diez años con la esperanza de vender Cds de veinte euros desde el asiento de detrás para costear la gasolina, y como mucho el hospedaje? Y encima plantas la semilla en el público diciendo: “la música es gratis, mirad a Jay Z o mirad a U2, y tal y tal…” ¿Qué te dice eso? ¿Qué dice eso a jóvenes artistas que están surgiendo? ¿Para qué intentarlo siquiera? No creo que esa sea una buena forma de continuar, creo que la forma correcta sería intentar mantener… es casi como lo que se hace para mantener el precio del oro. ¿Se necesita un lingote de oro? Cuando llueve y necesitas un paraguas, y tienes ese paraguas y viene alguien y te dice: “te cambio ese paraguas por un lingote de oro”, tú dices “¡no necesito un lingote de oro, necesito un paraguas!” Pero de alguna forma el precio del oro respalda la moneda, ¿sabes a lo que me refiero? Y en la música ocurre lo mismo. Tienes que crear valor adicional, como, por ejemplo, con la presentación y en la música. Quieres hacer que la gente lo compre, y Adele es el ejemplo perfecto. Ella dijo: “No vamos a valernos de Spotify. No vamos a valernos de ninguna de estas herramientas. únicamente vamos a vender discos.” Y vendió cinco millones de discos en las primeras dos semanas. Y ahí dices: “esa es la señal.” La calidad y mantener ese valor en la música sigue funcionando.


Se podría pensar que la crisis de la industria podría devolver a las discográficas independientes a la primera línea y apostar por un producto mejor. Pero ese no es el caso.

No. Bueno, podrías esperar que… Yo siempre digo que la industria musical de 2016 y la de 1958 se parecen mucho. Hay muchas pequeñas discográficas independientes surgiendo en distintas partes del mundo, haciendo marketing en teoría para una parte muy específica de la población. Y el único problema es: hay gente que hace álbumes y luego hay gente que tienen el equipo de grabación. El precio de la entrada para entrar en la industria ahora es muy bajo. Puedes ir a Guitar Center, a 5 minutos en coche de mi casa, y si tienes doscientos cincuenta dólares puedes tener un equipo de grabación mejor, de mayor fiabilidad y con mil pistas más de las que disponían Los Beatles para grabar su “White Album”. Lo único que no tienes son las canciones (risas) y la habilidad de cantarlas. Y dado que ahora todo el mundo puede ir a un micrófono y gritar, sin importar en qué tonalidad canten, y el sonido puede ser manipulado y llevado al punto en el que todo el mundo puede ser Pavarotti, Frank Sinatra, Nat King Cole o Sam Cook, con una afinación perfecta, el precio de admisión se ha infravalorado, ¿sabes? Elvis tenía que grabar tomas en directo. Buddy Holly también tenía que hacerlo así. Frank Sinatra grababa en vivo también. B.B. King grababa en el estudio en directo. Y nadie te contrataba si no eras capaz de cantar en vivo en el estudio. Ahora te ofrecen un contrato si sales en un programa de Disney Channel. Te contratan si tienes buen físico y puedes medio cantar, si tienes más de un millón de seguidores en Instagram. Y eso no es talento, eso es descaro para salir en los medios y algo de buenos genes. Si eres guapo o guapa y medio cantas, estás dentro.

 Bueno, eso siempre ha pasado desde los inicios del Rocanrol. Siempre ha habido bandas como Los Monkees.

Ya. Pero si te paras a pensarlo: como Los Monkees, cuyos discos los hacían Wrecking Crew. La banda nunca, o muy raramente, que tenía que tocar en el estudio tocaba de verdad. Pero tenían que cantar las canciones de alguna manera. Ahora un boyband como Los Monkees o cualquiera de estos grupos de segunda categoría que se te ocurran, en comparación con algunas de las cosas que oigo actualmente, sin querer sonar como un viejo, pero lo haré, quiero decir, Los Monkees están a años luz de lo que tenemos ahora. Me frustra lo que se considera música hoy en día. Me frustra como la gente percibe eso y luego se acercan a ello sin ningún contacto con el alma humana. La música es pura conexión con el alma y con los sentimientos derivados de los miedos, alegrías, penas o dolor más internos. Si te paras a escuchar muchas cosas que salen hoy en día, suena a rap robótico… Y todos estos cantantes suenan como si fueran niños. No suenan como adultos. Cantan como niños. Son malos tiempos.


 Sí, todos suena igual.

Todo es muy homogéneo. Es una locura. Tenemos una canción en el álbum y yo… hicimos esta canción, bueno, el título de la canción es “Blues Of Desperation”. Y por alguna razón, Kevin y yo tenemos una serie de señas de identidad que nos gusta añadir a todas nuestras composiciones. De alguna manera conseguimos, al menos de una manera con gusto, encontrar un sitio para un theremín etherwave. Al más puro estilo de Jimmy Page. Y me acuerdo de estar instalándolo, y el ingeniero ayudante que probablemente tenía unos veinte años decía: “¿qué es eso?” Y yo: “es un theremín etherwave.” Dije: “¿alguna vez has visto alguno?” Lo conecté con el Echoplex y mi pedalito de volumen y, ya sabes, fue como el manual de Jimmy Page de 1972. Y llevo usando este manual desde “The Ballad Of John Henry” y es bastante divertido. Añade algo de tensión y es divertido. Y él se quedaba mirándolo como si fuera una novela y dije: “No, esto es un truco de Jimmy Page.” Él chico estaba “oh, oh…” Y me doy cuenta de que estaba intentado tocar. Digo: “¿conoces a Jimmy Page?” y él me pregunta: “¿en qué banda estaba?” y digo: “Led Zeppeling, ¿sabes qué? No es su culpa. Ahí tienes tu señal.” Le señal era la guitarra eléctrica. Estábamos en una habitación llena de amplificadores de guitarras eléctricas que se hicieron entre 1964 y 1966. El material más antiguo estaba en la otra habitación. Y estamos aquí en una mesa con un puñado de libros sobre guitarras, guitarras eléctricas que se habían hecho antes de 1960. Mi idea es que la guitarra eléctrica y todas estas cosas han estado, al menos hasta muy recientemente, en la primera línea de la música pop. Si tenías una guitarra eléctrica, un amplificador o una guitarra acústica y un micrófono, podías dominar el mundo. Esto ha venido sucediendo desde hace casi setenta años, probablemente desde finales de los 40, principios de los 50, el nacimiento del rocanrol. Empieza a estar Chuck Berry e incluso esos blues eléctricos de Chicago. A eso se consideraba música popular. Sin duda, hacia 1960, la guitarra eléctrica dominada el mundo. Esa es la razón por la que hay tantas. Y esto ha venido sucediendo durante sesenta y setenta años. Es bastante tiempo. Es casi tres cuartos de un siglo. Y no hay nada nuevo que crear. Lo que hacemos ahora no es nada más que homenajear el pasado, nada de hacer algo nuevo, sino de darle un giro. Y la concepción de una banda tradicional, con una batería, un bajo, un teclado, un cantante, una guitarra… La idea de ese modelo de banda tradicional queda obsoleta con los DJs. E incluso si tienes una banda. A veces veo a gente tocando, un batería, otra persona con un teclado Nord, y otro con un Macbook Pro, y eso es una banda. Con su cantante, con un montón de reverberación y suena a un demo de Brian Eno. Ese es el problema: toda esta tecnología es tan plana… Y yo estoy sentado aquí con treinta y ocho años, la desprecio. Desprecio el tener que actualizar mi teléfono cada tres semanas. Desprecio el tener que aprender algo sin un manual. Los jóvenes aceptan todo esto hoy en día y son muy modernos y muy duchos, y lo usan para hacer música, dejándonos a nosotros, desafortunadamente, atrás. Exacto.


Habiendo dicho eso: eres muy visible en la redes sociales también.

Lo que pasa con las redes sociales es que si se quiere tener éxito en la industria musical, es obligatorio tener presencia en ellas. Y las uso porque he encontrado un subgénero de fans que tienen en común el ser aficionados y un poco frikis de las fotos de guitarras antiguas. Las uso para llegar a ellos y para quitarle el traje y las gafas de sol al tío que puede o no puede que hayan juzgado, basándose únicamente en una foto. Y esto me ha servido muchísimo, es un mal necesario en los tiempos que corren, porque me ayuda a vender entradas para los conciertos. Ayuda a que se propague la información. La mayoría del dinero que nuestra pequeña compañía invierte en promocionar el álbum, solía ser un noventa por ciento en promoción tradicional: invirtiendo en visibilidad para el álbum en las tiendas, sacando publicidad en revistas, algún anuncio de radio en sitios clave y haciendo correr la voz. Ahora, es prácticamente al contrario. Quedan tan pocas revistas que se puede comprar la publicidad al por mayor. La impresión está muriendo. Respecto a la radio… La gente ya no escucha aquí en EE.UU. la radio. Escuchan su propia lista, o XM o servicios de streaming en el coche. Así que, la mayoría de dinero que se invierte en promoción de un álbum es en redes sociales y en medios digitales. Es un cambio paradigmático. Es un cambio paradigmático total. Los días en los que consultábamos el Hit Parade o la Revista Billboard y decíamos: “¿qué hay de nuevo?” han terminado. Ahora puedo alcanzar a dos millones de personas levantando una copia de mi álbum y tocando algún riff de jazz que me acabo de inventar. Les dejas entrar en tu casa, en tu vida personal y a la gente le gusta eso, lo comparten y cuesta nada. Me cuesta treinta euros al mes tener el contrato de internet, no está nada mal para las Hollywood Hills.

10 de enero de 2017

RONNIE BAKER BROOKS, O COMO VIVIR DE UN ESTILO MUSICAL QUE NUNCA ESTUVO DE MODA

No cabe duda de que este 2017 será un año importante para el género Blues, algo que ya ha calado en diversos sellos discográficos, los cuales pujan por las grandes estrellas del momento, tanto consolidadas, como aquellas que apuntan maneras.

Ronnie Baker Brooks publicará "Times Have Changed" amparado por el sello Mascot, un trabajo de blues clásico monumental, que combina a la perfección su delicada y emotiva guitarra, con su cálida voz negra. 

Dentro del plan estratégico de comunicación de este lanzamiento, se pone en circulación el lyric vídeo de una de sus canciones más representativas, si bien el artista irá mostrando a sus fans, poco a poco, las bondades de un disco que muestra una calidad sobresaliente y que consolida la salud de este estilo de minorías, que nunca está de moda, pero que siempre está ahí.

BLACK COUNTRY COMMUNION, EL ULTIMO GRAN GRUPO DE ROCK QUE VUELVE AL ESTUDIO


Por fin, el grupo de rock duro Black Country Communion está de vuelta al estudio y están listos para dar lo mejor de ellos con un increíble nuevo disco que verá la luz en el presente 2017.

"Este es un disco que tiene que hacerse", dijo el guitarrista y vocalista Joe Bonamassa, hirviendo de emoción mientras sostiene una Gibson del '59. "Me encanta trabajar con esta banda y la espera ha sido demasiado larga. Glenn y yo tenemos tanta música rock buena dentro de nosotros, que era necesario volver a abrir un nuevo expediente".

Black Country Communion ha sido uno de los primeros grupos del nuevo milenio, con legiones de fans de todo el mundo que han estado disfrutando con sus tres álbumes de estudio y de un trabajo grabado en vivo en Europa durante sus espectaculares shows en vivo.

El mundo del rock va a ser llevado a un nuevo nivel, porque Black Country Communion están de vuelta y son músicos absolutamente espaciales. Glenn Hughes y su versatil voz, no ha perdido ni un ápice de gancho desde que encabezara a Deep Purple y Black Sabbath hace varias décadas. Derek Sherinian ha mostrado mucha capacidad de adaptación a pesar de lo variopinto de las bandas en las que ha tocado (Dream Theater, KISS, y Alice Cooper). Jason Bonham, hijo del icónico batería de Led Zeppelin, también ha estado tocando para todos los grandes, desde Paul Rodgers de Free a Foreigner y su propia recreación de la banda de su padre, Led Zeppelin.

Joe Bonamassa fue el precursor de esta reunión, con un mensaje muy simple:  "Os amo muchachos. Hacemos muy buen ruido juntos. Hagamos ese ruido de nuevo."

Joe y Glenn se reunieron un buen día para cenar y de repente se encontraron electrificados una vez más con la música rock que había nacido en ellos hace años. Una vez que tocaron el material para Derek y Jason, toda la banda fue acusada de hacer el mejor álbum de Black Country Communion hasta la fecha. Los fans, ya estamos deseando ver que sale de esta genial locura.

2 de enero de 2017

ENTREVISTA CON NEAL MORSE CON MOTIVO DE LA PUBLICACIÓN DE "THE SIMILITUDE OF A DREAM"


The Neal Morse Band, a través del sello Metal Blade, acaban de publicar una auténtica obra maestra titulada “The Similitude Of A Dream”. Hace unos días, tuvimos la ocasión de entrevistar al mismísimo Neal Morse, para conocer más detalles sobre este álbum.

Neal, tu nuevo álbum es una maravilla. Parece que tienes el don de ser una fuente de creatividad infinita. ¿No temes que en algún momento toda esa creatividad desaparezca?

Gracias. Miro a Dios para que me inspire y me presente ideas y por ello, me siento enormemente afortunado. Todo lo que puedo hacer es continuar estando abierto a él y tener la esperanza de que la conexión continúe.

El disco consta de 23 canciones. ¿Tienes alguna favorita?, ¿todas?...

La última sección de “So Far Gone” me hace llorar… la idea de que estamos en desacuerdo con Dios… resuena en mi corazón. “Back To The City” es una gran canción por su peso. “I´m Running” es otra de mis favoritas, igual que “Freedom Song”… es muy inspiradora.


 A estas Alturas de tu vida, ¿Qué prefieres, tocar o componer?

Definitivamente, componer. Mi parte favorita de todo el proceso es el comienzo, esa indecisión de no saber hasta donde será bueno lo que seas capaz de hacer. Esa parte donde las ideas empiezan a fluir… entonces consigues la inspiración necesaria y acabas sorprendiéndote de todo lo que se va formando.

Mike Portnoy es la mejor publicidad que estás teniendo para este álbum desde que manifestó públicamente que posiblemente este era el mejor trabajo de su vida, pero ¿Qué me puedes decir del resto de músicos que te han acompañado en este proyecto?

Todos y cada uno de ellos son multi instrumentistas, lo cual es maravilloso. Randy es un bajista tremendo. El me ha ayudado a determinar cómo ir de una idea a otra aportando grandes sugerencias. Bill Hubaer es un compositor y cantante con mucho talento. “The Ways Of Fool” es una canción que él trajo al proyecto originalmente . Eric Gillete es un guitarrista estelar. También es un teclista y un batería muy capaz. Su forma de escribir y de cantar es alucinante.


Este disco está inspirado en las primeras 80 páginas del libro "Pilgrim´s Process", ¿Qué tipo de disco habrías creado de haberte dejado inspirar por el trabajo completo?

¡Seguramente un disco de 10 cd´s!., esta fue una de las razones por las que al final ha sido doble. Teníamos 45 minutos de música, pero todavía no habíamos contado casi nada de la historia. El protagonista se encuentra con muchas personas y hace un montón de cosas, así que solo pudimos arañar la superficie de esas primeras 80 páginas. ¿Quién sabe si haremos más música sobre el resto de las páginas?, tendríamos que estar inspirados, así que, ya veremos…

Este disco tiene connotaciones religiosas ¿todavía necesitas hablar sobre espiritualidad en tus trabajos?

Bien, se supone que no lo necesito hacer, pero este es el tema al que más atención le presto en mi vida, así que generalmente es sobre lo que más me apetece cantar.  Me gusta todo tipo de historias para escribir, sobre todo aquellas por las que siento más pasión, así que además del amor que siento por Dios, también podría hacerlo sobre el amor que siento por otras personas. Esas son las dos cosas más importantes para mí.

Teniendo en cuenta que todos los músicos de este proyecto viven en diferentes ciudades, ¿cómo preparas tus shows de directo ante unas canciones tan complejas a la hora de ser ejecutadas?

¡Vamos a ensayar juntos durante cuatro días completos!. Con Mike solo tres, lo que significa que cada uno de nosotros vamos a tener que entrar en el local con todo muy bien aprendido, lo que significa que tenemos deberes para las próximas semanas.

¿Te has sorprendido alguna vez a ti mismo promocionando un disco como este y a la vez pensando en lo próximo que vas a grabar?

Intento no vivir esa situación, pero a veces pasa. A veces varias cosas se solapan, aunque la idea es pensar en un solo proyecto cada vez.

EL CREADOR DE TEXTURAS SINTETIZADAS, RICHARD BARBIERI, ANUNCIA NUEVO DISCO DE ESTUDIO


El teclista de las bandas Japan y Porcupine Tree, Richard Barbieri, lanzará un nuevo capítulo de su obra sonora el próximo mes de Marzo 2017, en forma de nuevo álbum titulado "Planets + Persona". Es el tercer álbum en solitario de Barbieri, pero el primero en contar con una amplia paleta de instrumentación. Los síntetizadores analógicos se combinan con actuaciones acústicas y elementos de jazz. Las voces retorcidas están siempre presentes, aunque no en un lenguaje que podamos reconocer. Barbieri utiliza los talentos de un núcleo pan europeo de músicos, para producir un álbum que combina sonidos sintetizados con instrumentación orgánica que consigue evocar paisajes sonoros vivos, coloridos y alusivos. Este trabajo será una combinación hábil de textura y tono, humor y musicalidad.

Grabado en Londres, Italia y Suecia, este es el trabajo en solitario más ambicioso de Barbieri hasta la fecha, con un tema central de dualidad que recorre todo el álbum. El título "Planets + Persona" hace alusión a esto, y el tema dialéctico es una constante a lo largo de los sonidos y contrastantes cambiantes que han dado forma al álbum. 

Como ex-fundador de los pioneros de la nueva ola, Japan, Barbieri fue un líder en la creación del sonido de sintetizador innovador que definió a la banda e influenció a gente como Duran Duran, Gary Numan, Talk Talk y toda una colección de artistas posteriores. Junto a esta banda, grabó cinco álbumes de estudio que culminaron en "Tin Drum", que se mantuvo en la lista de álbumes del Reino Unido durante un año.

Después de Japan, y una década de colaboraciones en su propio sello Medium Label, Barbieri se unió a la banda de Steven Wilson,  Porcupine Tree, tocando el teclado en todos los álbumes de la banda desde 1993 y lanzando dos álbumes en solitario: Things Buried y Stranger Inside.

Su oído para componer sonidos únicos y texturas del sintetizador, le ha llevado a trabajar con otros conocidos y talentosos músicos como Steve Hogarth (Marillion) Steve Jansen y Mick Karn (Japan) y Tim Bowness (No-Man)

Los fans puedenuna idea de Planets + Persona aquí con un teaser de las 7 pistas del álbum: